La danza y la performance: cuerpo a cuerpo entre la danza, la performance y la comunicación (2021)
Vanessa Vargas
AB ediciones. Universidad Católica Andrés Bello.
El punto de partida de la compilación de textos presentados al lector es la dimensión comunicativa de la danza y la performance. A partir de la explosión de los medios de comunicación durante los años 60 del siglo pasado, las artes de acción, específicamente la danza y la performance, encontraron en las tecnologías de la comunicación y la información un soporte y un medio de investigación en la práctica artística. La relación que han tenido las artes de acción se manifiesta no solo en la experimentación plástica con el medio, sino también en la investigación de otras formas de comunicación del cuerpo con base en el uso de estas tecnologías. La colección de ensayos que ofrecemos en este libro apunta a entender la danza y la performance a la luz de los estudios de la comunicación y los estudios culturales; esto es, como experiencias de mediación, espacios de socialización y creación de significado; ubicando sus temas y problemas en el reino de la vida cotidiana.
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Comunicar la danza y comunicarla bien: danza y gestión de la comunicación digital en tiempos de pandemia (2021)
En: NEXT: IMAGINAR EL POSTPRESENTE Filosofía, arte y tecnología en la cultura digital. Caracas, 2021. Humberto Valdivieso y Loreja Rojas Parma. Editores / Compiladores
El Covid-19 hizo migrar la danza de los teatros al espacio digital. En ese espacio, los cuerpos descubren una tensión entre sus dimensiones online y offline. Esta tensión es experimentada en cinco frentes: 1) la relación del cuerpo con la pantalla; 2) la ausencia de contacto y las prácticas en solitario frente a la cámara; 3) la saturación de imágenes en redes sociales; 4) los cambios en las ideas de presencia, archivo, y memoria; y 5) la precariedad de acceso a las tecnologías digitales. El presente texto considera estas variables para imaginar el futuro de la danza apostando a la experiencia del cuerpo a cuerpo, pero sin renunciar a la comunicación digital, intentando entender las relaciones entre unas (presenciales, offline) y otras (no-presenciales, online) como prácticas artísticas expandidas.
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Celebrar la danza en tiempos de coronavirus (2020)
Tal Cual digital
El 29 de abril se celebra en todo el mundo el Día Internacional de la Danza. Por iniciativa del Comité Internacional de Danza, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia, y la Cultura escogió esta fecha en 1982, en conmemoración del natalicio de Jean-Georges Noverre, considerado como el creador del ballet. Desde entonces, bailarines, maestros, coreógrafos e investigadores de todo el mundo celebran el movimiento, en cualquiera de sus géneros. Así, abril es para la danza un mes sensible.
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John Lange, uno de los artífices de la modernidad venezolana (2018)
Climax
La pequeña oficina, un sillón naranja con patas cromadas, un escritorio de fórmica blanca y azul, el título de Químico Industrial que le confiriera la Universidad Central de Venezuela al “Negro”, acompañando las imágenes de Grishka Holguin, Mirjam Berns, Abelardo Gameche, Yuri Cavalieri y Andreína Womutt, entre otras serie de fotografías y afiches más recientes, han superado los embates de la crisis en la cultura, reducción de los aportes y presupuestos para el sector de la danza, el éxodo y la migración de bailarines de las filas de la compañía y de su escuela. Más recientemente, en 2015, un incendio de grandes proporciones en la antigua sede de la Fundación para la Cultura y las Artes (Fundarte), ubicado anteriormente en la planta inferior de este Pent House, terminaría por ocasionar daños irreparables no solo a la fundación adscrita al Estado, sino a los espacios del Taller de Danza de Caracas; dejando comprometida la actividad de la compañía: ventanales estallados, pisos de linóleo y pianos consumidos por las llamas. En la misma oficina, un archivo de metal azul vertical que cruje al abrir y cerrar, así como un estante de hierro y fórmica blanca, materiales que han sabido sobrevivir al menos dos repúblicas, atesoran la relación sentimental y colaborativa, que es una y la misma cosa, entre José Ledezma y John Lange (Caracas, 1932-2018).
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De la cartografía a la coreografía: un cambio en el panorama de la movilización global (2017)
2 (da) Cuadernos de danza
Pensar en la movilidad parece estar inevitablemente relacionado con la noción de superficie; es decir, la configuración de un área designada, una referencia específica a una cierta representación de un territorio, o una coordenada geopolítica y, por tanto, de una manera, no natural, totalmente representacional que define el movimiento. Por eso es importante considerar conceptos como la movilización y la migración, y cómo la experiencia de nuestra relación Estado-Nación transforma la corporealidad, incluso nuestra consideración del cuerpo sobre un paisaje designado. Precisamente en estos casos -los que implican representación y subjetivación- en los que nuestra comprensión común del cuerpo se hace insuficiente. Esto, me gustaría pensar, podría ser abordado a través de la danza contemporánea, ya que en ella la fisicalidad del bailarín pudiera aportar nuevas subjetividades. ¿Cuál podría ser la contribución de la coreografía en el contexto de la movilización global? ¿Cómo podemos bailar y actuar, fuera de la relación Estado-Nación, creando un camino, una ruta, una frase de movimiento alternativo, basado en prácticas colaborativas y procesos creativos?.
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A Long-Running Performance (2016)
Backroom
There are various ways to migrate. However, all of them are experienced from the body, and involve, to a greater or lesser degree, movement. We could say that the body is the primordial place of experience and, thus, the migrating body is the recipient of the experiences of mobility, transition, and displacement. Migrating is then a long-running performance in that it is both ritual and survival: it has a symbolic, aesthetic dimension, but also a political and geographical dimension. Migration is conditioned by dominant structures, not just through representations of the body itself, but also by the limits upon which the idea of the Nation-State rests. Migration is a performatic event in itself: it involves experimentation with one’s own body and the boundaries that recreate its limits; it implies transgression and also creation. In the act of migrating, the body lies in the place where we are ourselves, but we are not ourselves.
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Encontrarnos en el cuerpo (2016)
Revista SIC
Un gesto es una unidad mínima de significado, tal y como una palabra puede serlo, aunque a primera vista un abismo parezca estar entre un modo y otro de aparición del fenómeno comunicacional. El reconocimiento de estas unidades mínimas de significado, independientemente de que estén insertas necesariamente en un proceso de transmisión deliberada y transparente de contenidos, aparecen como un campo de significación tan legítimo como el de la palabra hablada o escrita y, en ese sentido, incluso independiente de ésta: la palabra no se inserta necesariamente allí donde originalmente se encuentran un gemido o un gruñido cualquiera. La gestualidad es así comprendida como una textualidad de cuño diferente, y el cuerpo humano como un espacio-ser generador de signos que se encuentra en constante proceso de comunicación.
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Memorias desde la bolsa (2016)
Backroom
A finales de 1971 Yoko Ono debuta en el Museo de Arte Moderno de Nueva York con una exhibición no autorizada, en la que la artista liberó moscas en el museo. Se suponía que el público debía luego seguirlas en su recorrido mientras éstas se dispersaban por toda la ciudad. 44 años después -y ahora con la debida autorización- el mismo museo inauguró, el 17 de mayo de 2015, Yoko Ono: One Woman Show, 1960-1971, la más reciente exposición sobre el trabajo de esta artista, curada por Klaus Biesenbach y Christophe Cherix. La muestra exhibió una importante colección de la obra temprana de Ono, que incluyó además performance, grabaciones de audio y proyecciones de video. Sin embargo, concentrar nuestra atención en el re-performance del trabajo de Ono ofrece una posibilidad particular para abrir el debate sobre la noción de experiencia en el performance en tanto evento efímero, específicamente en el contexto del mundo del arte contemporáneo, en el marco de una actividad que ya en 1960 fue concebida como ajena a la lógica de las prácticas museísticas. A partir de aquí, quiero ofrecer una discusión acerca de la dinámica de la mercantilización y la reproducción del performance, que hoy en día se enfrenta a la necesidad del diálogo y la negociación con los procesos de exposiciones en estas instituciones, así como a decisiones curatoriales vinculadas a los procedimientos del museo.
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